jueves, 31 de mayo de 2012

Escribir sobre la Feminidad


Escribir sobre la Feminidad

¿Quién es capaz de agregar un punto final a la definición de Feminidad?
Más aún… ¿Existe acaso una “definición” al respecto?


Abordar ésta temática significa para mi la posibilidad de continuar abriendo puertas para despertar más interrogantes y permitir la construcción de nuevas respuestas, de la visibilidad de nuevas y antiguas discursividades, siempre diversas, únicas, irrepetibles y tan múltiples como miradas existan.

En la Obra Teatral VACIAS, El Misterio de lo Femenino, he intentado abrazar una “Feminidad empírica”, que atraviese y deconstruya la autoritaria Normatividad de los Cuerpos, la arbitraria asignación de los Roles, la ilusoria Certeza acerca de las construcciones identitarias del género y de la sexualidad.  Asumir el desafío de intentar atravesar y deconstruir de raíz   esas concepciones despóticas y opresoras que circularon siempre en torno a la representación significante de la palabra “Mujer”. Reapropiarme de esa misma nominalidad (Mujer) en el seno de una tentativa casi reconciliatoria con el término mismo; aquel que aún hoy permanece ligado  y circunscripto a espacios y formas establecidas desde los discursos científicos, doctrinarios y culturales.

Pienso a la “Feminidad empírica” sin cuerpo, sin objeto fijo de elección sexual, sin habilidades prestablecidas ad hoc , sin colores rosados en los escarpines ni agujeros metafóricos en la representación de las corporalidades. Repienso al concepto de Mujer sin físicos con cánones estéticos, sin estratos sociales adheridos de manera unívoca a la vulnerabilidad, sin límites superyoicos al Goce, sin sub-clasificaciones rotulantes y sin el sello fundante de la apoteótica Vagina.

Percibo al universo de lo Femenino como un Misterio que no pretende dar respuestas categóricas, sino inmiscuirse en el terreno sensible que conmueva todas las Certezas.
Intento desplegar a través del imaginario constructivo de esta propuesta teatral, la reafirmación genuina, en tanto la verdad subjetiva, de quiénes somos.

Vida Morant

jueves, 10 de mayo de 2012

VACIAS (El Misterio de lo Femenino)

ESTRENO 02 DE JUNIO - Sábados 20 hs
Teatro del Sur
Venezuela 2255 – CABA – 
*** Reservas al 4941-1951 ***
RESERVAS: http://teatrodelsur.blogspot.com.ar/


¿Quién es Mujer? ¿Qué es ser una Mujer? ¿Cómo se hace para ser una Mujer?
En el marco de la emergencia cultural y  las demandas sociales, que exigen la univocidad de respuestas, e inmersas en la autoritaria Normatividad de los Cuerpos, la arbitraria asignación de los Roles, la ilusoria Certeza acerca de las construcciones identitarias del género y de la sexualidad, 3 feminidades se debaten entre lo especular de sus posicionamientos respecto de la Feminidad y los objetos de Deseo.


Vacías narra el encuentro de tres Feminidades.
Un encuentro que dispara en tono humorístico, mordaz y sensible, la trama de sus universos que confrontan en similitudes y diferencias respecto del goce, la insatisfacción, la vergüenza, el sometimiento, la soledad, los vínculos y el vacío existencial.
Reunidas y perseguidas por la emergencia de sus propias circunstancias, se ven envueltas en la metáfora lúdica que remite al inicio de la construcción cíclica de sus historias, al momento mítico de sus infancias; aquel lugar sublime donde se aloja y se mantiene a salvo esa esencia única e imposible de arrebatar que da cuenta de sus verdades y de quienes son.
Vacías contempla la ruptura de las Evidencias, inmiscuyéndose en el territorio de los Interrogantes.
Vacías propone una mirada abierta acerca del concepto vívido y sensible de  lo Femenino.


Autora: Vida Morant
Elenco: Paula Díaz Martina, Checha Kadener  y Vida Morant
Stage Manager: Diego Tedeschi Loisa
Asistente de Sala: MG Bonfiglio
Escenografía: Jennifer Sankovic
Realización Escenográfica:
Gabriel Koller & Marión Frakelli de 4GM Producciones
Vestuario: Lautaro Marchioli
Fotografía y Diseño: Javier Fuentes & Nicolás Fernández
Producción: Gustavo Pecoraro
Dirección de Producción: Checha Kadener
Prensa: El Vahído
Directora Asistente: Paula Díaz Martina

Puesta en Escena y Dirección General:
Vida Morant




CONTACTO PRENSA
prensavacías@gmail.com

lunes, 12 de marzo de 2012

"Camille Claudel, la escultora hembra" (de Carlos Rapolla)


Mediante una estética de puesta bella , sencilla y sin experimentos,  el director Carlos Rapolla nos conduce  durante una hora por emociones pendulares, que van desde el impacto de la violencia hasta la contemplación de la ternura.
Camille fue una gran artista pero sobre todo fue una mujer  con un enorme talento y una pasión inmensa, tanto por su arte como por quien fuera su maestro, su amante y su gran amor August  Rodin. Esta relación es el eje central de la obra, en la que vemos a una Camille presa de un amor no correspondido que la relega a un segundo plano lo que irrumpe como detonante de un final trágico, que la condena a la soledad y al desgaste psíquico.

Los hermosos textos son interpretados por un elenco con  actuaciones sólidas,  entre las cuales se destaca la actriz Mónica Fuino  quien le pone cuerpo y  alma a una inmejorable Rose  Beuret  (quién fuera la esposa de Rodín y principal rival de Camille).

Lxs espectadorxs podrán encontrar en esta Obra,  una historia acerca de la  soledad provocada por la contradicción de una mujer que amaba la libertad y el rechazo de una sociedad hostil aniquilante de las ideas y expresiones de género.

Ficha Técnica:
Bárbara  Strauss.............. Camille Claudel
Rolo Sosiuk.........................Paul Claudel
Julio Chiorazo.................. Auguste Rodin
Mónica Fuino.....................Rose Beuret
Realización de Escenografía:  Teatro Sin Fronteras
Realización de Vestuario:  Celina Arteaga
Realización en Iluminación: Carlos A. López
Asesoramiento plástico:  Irene Villagra
Música:  Agnieszka Zanowska
Fotografía:  Zek Ramgian Fotografías
Gráfica Artística : ArteProfesional
Edición de Video:  Lucrecia Heredia Fuino
Asistente de Direcció:  Melany Mosquera
Producción ejecutiva:  Teatro Sin Fronteras
Prensa: Laura Castillo
Dramaturgia y Dirección General: Carlos Rapolla

Jueves 21.30Hs.

TEATRO LIBERARTE  AV. CORRIENTES 1555
Entradas $50.- con desc. por Cartelera $25  Desc. a Jubilados y Estudiantes. $35.-
RESERVAS Tel.: 4375-2341 / 15-6685-1139 (SMS) / lainfo.arte@gmail.com

martes, 20 de diciembre de 2011

Cursos Verano 2012

Abierta la Inscripción para los Cursos  2012
INICIO Cursos Verano: Febrero y Marzo 2012
INICIO Cursos Anuales y Trimestrales: ABRIL 2012




miércoles, 5 de octubre de 2011

martes, 27 de septiembre de 2011

ESCENIKA Arte y Diversidad


"Complexion" de Ramiro Guggiari



Sobre la la Obra: "COMPLEXION" de Ramiro Guggiari

“Soy tan alto como el sol, entiendo sin saber”

Complexión…  es la peste. De lo que pasa sin pasar, de lo que sin pasar da espacio para que pase. Ilustra el bufón de la torre, con pantomimas y desquicio, resabio adulador de los poderosos, qué es lo que está pasando ahí. Allí, en lo alto de la torre, donde dominan los Alfa. Y allí, abajo, donde esperan los Beta por reconquistar lo que perdieron, en manos del absurdo que proponen los de arriba en certera decadencia. Arriba, en la torre de los refugiados, nada es lo que parece y todo parece la nada, los fantasmas juegan un poder efímero y ya despojado, pero insisten, desde las alturas, para no dar espacio al reclamo de lo que vendrá. Abajo, gritan las furiosas bestias: revolución,  o cambio… o entreguen lo que es del pueblo.
Con interpretaciones exquisitas, movilizadoras, atrapantes, la puesta de Guggiari es de Apocalipsis, como signo de revelación, y de final. Y allí, en la torre, donde el mal se come todo y donde el bien no tiene lugar, los gobernantes mutan, se enredan, se confunden y mueren o matan de y por amor. ¿O de y por puro odio?
Las sensaciones de no entender se precipitan a la vez que permiten el regocijo y no el dominio de la mente, en un camino donde se bifurca el infierno del sentir como el cielo del sufrir.
Jerarquiza la escena,  porque contribuye con el matiz esencial, la interpretación en vivo del violonchelo a cargo Eugenia Turovetzky o el autor de la música original, Diego Longobardi, según sea el día. Enriquece la trama y azota el limbo de alturas y fracasos que coronan la velada.
Allí, en la torre, sin Babel, donde se define el lenguaje, se comulga la misma rabia, las frustraciones, las traiciones, los desgarros, las torturas, el anochecer de los sentidos.   
Ficha técnico artística

Dramaturgia: Ramiro Guggiari
Actuan: Catalina Briski, Paula Gabriela Flaks, Laureano Lozano, Horacio Pucheta, Mariano Rapetti
Músicos: Diego Longobardi
Iluminación: Julieta Potenze
Música original: Diego Longobardi
Fotografía: Renata Prati
Diseño gráfico: Andrés Levy
Asistencia coreográfica: Mariano Rapetti
Asistencia de dirección: Santiago Chalukián
Coreografía: Catalina Briski
Dirección de arte: Melisa Califano
Dirección: Ramiro Guggiari

LA RANCHERIA
México 1152 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4382-5862
Web: http://www.teatrolarancheria.com.ar
Viernes - 21:00 hs

jueves, 15 de septiembre de 2011

Edipo.Com (de Dix & Fantoni, con Puesta de E.Lamoglia)

Sobre la Obra: "Edipo.com" (de los premiados Autores Dix & Fantoni, con Dirección de E.Lamoglia)

"Ah, la historia del que mató a su padre para casarse con su madre… Bueh, suena así pero no es tan así…"

Pablo Alarcón viste a un personaje atormentado en sus propios fantasmas. Su Anselmo se erige en el contador de la clásica tragedia de Sófocles, en un texto que promueve a la reflexión y nos regala un camino de sensibilidad profunda.
Este intelectual que se autorecluye en un instituto de salud mental es asistido por la enfermera Esmeralda que lo va a escuchar y lo va a acompañar en este relato quijotesco sobre la gran tragedia griega. Juntos se van a sumir en la confusión que propone la narración de un Edipo aggionardo a los tiempos que corren, con ciertos ribetes del folclore nacional.         
El guión original no contempla una labor más destacada de la coprotagonista.
 Pero Alarcón –que además es el productor general- apela a su astucia y nos regala un caramelo extra al compartir cartel con Sandra Ballesteros. Más allá del gusto que propone la impronta y la versatilidad de la actriz, será Alarcón quien dominará, casi exclusivamente, la escena. De todos modos, los  chispazos de Ballesteros son notables; cada pizca de su Esmeralda / Yocasta edifica la templada puesta de Eduardo Lamoglia.
Desde el momento que la alegría de Anselmo da rienda suelta a la pasión de lo que va a contar -eso que Esmeralda cita como “la historia del que mató a su padre para casarse con su madre” y que Anselmo define como lo que “suena así pero no es tan así”-  la trama se irá desgranando en la conjunción que internado y cuidadora darán a un relato conmovedor que los acercará mucho más de lo que intentan esconder. Ambos, enmascarados en los personajes de Edipo y Yocasta, encontrarán el punto de inflexión que necesitan para arroparse.
Edipo.com es una obra amena que no da espacio para el descanso, tanto que la música de Raúl Parentella matiza el camino como un campo imperceptible.
  Es cierto que Sandra Ballesteros merecía un poco más. Especialmente cuando su Yocasta empieza a aletear sin llegar a dominar el cielo. Pero el texto es para Pablo Alarcón, que pone el cuerpo en una entrega que soslaya la sanatanería y la convicción. No da tregua. Regala con su actuación y nos nutre en un pasaje pleno de sensaciones encontradas y entretenidas.



Ficha técnico artística

Dramaturgia: Giole Dix, Sergio Fantoni

Actúan: Pablo Alarcón, Sandra Ballesteros
Música original: Raúl Parentella
Prensa: Alfredo Monserrat
Producción general: Pablo Alarcón, Gabriel Garcia
Puesta en escena y Dirección: Eduardo Lamoglia

EL TINGLADO TEATRO
Mario Bravo 948 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4863-1188 /3750-2240
Web: http://www.teatroeltinglado.com.ar
FOTOGRAFIAS  de MG para ESCENIKA Arte y Diversidad



martes, 30 de agosto de 2011

"Deportados de Neverland" (de Walter Velazquez)


Sobre la Obra: "Deportados de Neverland" (de Walter Velazquez)
 No crezca mi niño, no crezca jamás, los grandes al mundo le hacen mucho mal

            El director Walter Velázquez plantea una estética despojada donde el valor se concentra en las interpretaciones actorales que enaltecen la dinámica propuesta.
            Hay un limbo, un lugar de espera, un lost sin isla ni humos negros pero con purgas, las que aún transita nuestro inconciente colectivo, intentando no olvidar (sin o con perdones) hacia el centro de una utopía en sintonía con el imagina que propuso Lennon y su declaración de locutopía, “sin fronteras ni pasaportes, sólo gente”.
            En el camino se van desgranando, entre un pálido grotesco, un concreto reflejo de lo padecido (de lo que aún se padece) y un relamer de entretenimiento dispar, efectivo y, en algunos momentos, de certera intromisión.
            Los deportados de Neverland, del país del nunca jamás, del ya Nunca Más, hacen su camino de ladrillos amarillos y pasan los milicos, los sacerdotes abusadores, los curas que se cuelgan de las bolas del sumo pontífice y los que lo cuestionan todo, y llegan los idealistas y los que conviven con el día y con la muerte; todo con el tamiz desopilante que propone la puesta de Velázquez (dramaturgo, clown): el flamenco de la enfermera -à la Angelique de All that jazz- es un punto magno.
            Para destacar es la partitura musical elegida como protagonista relevante de la acción. Las canciones reelaboradas, en las dispares voces de los actores, le dan cuerpo a la escena, dando en el clavo y validando la propuesta que en aquel país de Alicia que supimos transitar supieron regalar los Serú Girán.
            Es una oportunidad para el encuentro con el diablo, en el olor de los cuerpos, mendigando su pan, viendo las caras y sonriendo con ganas, donde el trabalenguas traba lenguas y el asesino te asesina.
Nunca más atinado que contar las palabras del entrañable Facundo Cabral: “no crezca mi niño, no crezca jamás, los grandes al mundo le hacen mucho mal”.
            Un guiño agradable que nos deja una sensación de haber querido ver un poco más. Como la guarda en la que deberá permanecer uno de los personajes, como el niño Walt en el epílogo de la estimada serie Lost, hasta que encuentre la escuela que le enseñe a vivir.


Ficha técnico artística

Dramaturgia: Walter Velázquez
Actuan: Gonzalo Alfonsín, Luciano Cohen, Gustavo Monje, Alejandro Paker, Diego Recagno
Vestuario: Soledad Galarce
Escenografía: Ariel Vaccaro
Objetos: Ariel Vaccaro
Diseño de luces: Ricardo Sica
Música original: Luis Sticco
Fotografía: Clara Muschietti
Diseño gráfico: Exequiel Abreu, Valeria Stilman
Entrenamiento vocal: Coni Marino
Asistencia general: Belén Pedernera
Asistencia de dirección: Jimena López
Prensa: Tehagolaprensa
Arreglos musicales: Luis Sticco
Producción ejecutiva: Andrea Feiguin
Coreografía: Julieta Cancelli
Dirección: Walter Velázquez

TEATRO DEL ABASTO
Humahuaca 3549 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4865-0014
Web: http://www.teatrodelabasto.com
Entrada: $ 40,00 - Martes - 20:30 hs -

miércoles, 17 de agosto de 2011

miércoles, 20 de julio de 2011


Sobre la Obra: “Desconchertados” de Walter Velázquez



Walter Velázquez nos regala una puesta donde la musicalidad es el punto de partida para que irrumpan la sorpresa, la bienvenida ruptura del sentido y la frescura de lo inesperado. Transitando este burbujeante código Clown, en una escena prácticamente despojada de escenografía, Andrés de la Cruz y Luis Sticco  salen a público llevando a cabo un espectáculo en el que sobre todo se divierten haciendo  cómplices a los espectadores, de estos personajes y la constante puja por demostrar cual de los dos es el mejor.
Sticco y Cruz forman un dúo impecable que les valió el titulo de “Mejor grupo de música y humor” otorgado nada menos que por Les Luthiers, en el marco de los festejos de el 40 aniversario del grupo cómico.
Durante la  función se  combinan la ejecución de  instrumentos tradicionales de forma no tradicional, el humor y la aparición de insólitos instrumentos no convencionales.
Estos dos talentosos artistas logran hacer música de diferentes estilos y ritmos pasando por el Jazz, el tango, el Rock y el folklore entre otros, utilizando con el mismo profesionalismo tanto a una guitarra, una batería, como a una mesa de luz,  cucharas y otros objetos que el talento interpretativo los hace devenir instrumentos, que sorprenden en cada cuadro.
Esto se completa con un tercer y peculiar personaje, un  juego constante de movimientos coreografiados y la apoyatura final de un efectivo recurso multimedia.
Sorprende un duelo de percusión realizado entre los dos artistas, utilizando ambos  en forma alternada una batería tradicional y otra confeccionada con elementos reciclados tales como tachos, cacerolas y el frente de un calefón.
  El ingenio, la versatilidad el talento y conocimiento musical se ponen en juego aquí sin escatimar recursos. Dando como resultado un show, creativo, sorprendente y recuperando sus propias voces…muy PROFESIONAL.


Ficha técnico artística
Idea: Andrés de la Cruz, Luis Sticco
Luthier: Andrés de la Cruz, Luis Sticco
Vestuario: Matias Begni, Julio César
Ambientación digital: Ariel Vaccaro
Diseño de luces: Ricardo Sica
Creación de objetos: Belén Pedernera
Video: Hernan Cazalla, Maria Eugenia Raschelli
Sonido: Santiago Capparelli
Fotografía: Pablo Laborde
Diseño gráfico: Pablo Dutto
Asistencia de escenario: Juan Diana
Producción ejecutiva: Andrea Feiguin
Coreografía: Cristian de Castro
Puesta en escena: Walter Velázquez
Dirección: Walter Velázquez
Web: http://desconchertados.blogspot.com


jueves, 14 de julio de 2011

Curso COMICIDAD + ACTUACION + CLOWN


Curso NARRACION ORAL


Sobre la Obra  BOX PELEAS PERDIDAS - de Jeremy Vagabundo 




La joven Actriz ROSARIO SABARRENAforma parte del elenco de la Obra “Box Peleas perdidas” escrita y dirigina por Jeremy Vagabundo.

En la trama, Sabarrena interpreta el personaje de un hombre trans que transita en busca de la realización de sus deseos y se encuentra inevitablemente inmerso en la lucha intrínseca a su condición, por el reconocimiento de su identidad, conforme a su expresión de género.

En el marco histórico actual, no dejamos de oír el eco de los espectadores y algunos críticos que dan cuenta de la emergencia de una nueva teatralidad LGTTBI.

A mi modo de ver, como Actriz y maestra de actores, no existe tal teatralidad que se instituya como género reducido.

La Teatralidad actual, las nuevas poéticas escénicas, se nutren sensiblemente en el marco social de un momento que visibiliza realidades subjetivas que existen y existieron siempre. No se torna inédito el tratamiento de la temática LGTTBI en las expresiones artísticas y culturares, pero el nuevo escenario social nos exige la responsabilidad en tanto comunicadores sociales, de dar cuenta de la misma con una mirada que corre el velo oscuro y distorsionante que durante tanto tiempo invisibilizó, censuró y oprimió nuestra existencia.

Así, el abanico de nuestros trabajos se torna más vivo, en tanto más visible y más diverso y permite acercar a la sociedad mensajes más claros, propiciando una mirada más amplia en la construcción de una Sociedad más justa e igualitaria.

BOX PELEAS PERDIDAS es una obra teatral basada en la historia de un boxeador de barrio, sus amores y desamores, su relación con la vida y la muerte, la sangre y el ring. Una puesta under, llena de matices del grunge y del blues. Seis personajes en escena, un ring invisible, una puesta casi fotográfica, un equipo de trabajo conformado por colombianos y argentinos, estos son algunos de los componentes del ultimo trabajo de La Petisa Babilonia.


En sus palabras, Sabarrena reflexiona acerca de su trabajo:
¿Qué siente un hombre que nació en el cuerpo de una mujer? Eso fue lo primero que me pregunté cuando conocí al Grasa. La dramaturgia de “BOX Peleas Perdidas” nos cuenta un fragmento de la vida de este personaje, una situación particular, tan solo momentos. Pero los personajes tienen mucha más vida que lo relatado en ese pequeño instante que constituye una obra teatral.
Me pregunto quién se enamora de una persona como Grasa. Si bien uno tiene preferencias, inclinaciones, por ejemplo, la mía es ser heterosexual… yo creo que las personas a veces en la vida se enamoran de otras personas, simplemente.
¿Suena tonto? ¿Qué quiero decir? Que habrá alguien allí que pueda enamorarse de alguien que desde siempre se ha sentido hombre, que detesta sus pechos y sufre su menstruación y que no comprende cómo la vida le ofrece un envase que no es el suyo, el deseado, con el que se siente cómoda. Hoy hay muchos diversos nombres para catalogar a las personas que por alguna razón no se engoblan dentro del “sexo” que les vino de fábrica.
Así es el Grasa y sé que le cuesta, sé que sufre tratando de encontrar en su entorno un espacio donde sentirse cómodo. En la obra “BOX Peleas Perdidas”, sufre el acoso y la vergüenza de la madre de su amigo, quien fue su novio en la adolescencia pero que hoy lo quiere y acepta como par, como compadre. Trata de tapar sus curvas simulándolas con ropa holgada y un comportamiento brusco para no ser pisoteado.
¡Somos tan diferentes las personas, tan maravillosamente diversas que es hermoso creer que hay un lugar para todos, que solo es necesario encontrarlo. Creer que nos puede llevar una vida entera o tan sólo un instante el saber quiénes somos!
Creo en la diversidad sexual, creo en la elección autónoma de ser quien queremos ser y lo que deseamos hacer con ello; desde la vocación, la elección de una pareja, la maternidad y la creación de un mundo mejor, más lleno de amor para todos. 



Vida Morant
Directora General
ESCENIKA, Arte y Diversidad 


FICHA TECNICA
:Dramaturgia: Jeremy Vagabundo

Actúan: Ailen Acosta, Agatha Brandao, Maxi García, Laura Goitya, Gael Gonzalez Costa,Rosario Sabarrena

Músicos: Franco Cesare, Mauro Cesare, Tedy Garcia

Escenografía: Paula Madariaga
Maquillaje: natali Gonzalez
Diseño de arte: Jazmin Ruano
Diseño de luces: Christian García, Daniel Pizzi
Música original: Martín Nuevo
Diseño gráfico: Marco Puma
Coreografía: Emiliano Giannotti
Dirección: Jeremy Vagabundo

BUENOS AYRES CLUB (EX ARLEQUINES)
Perú 571 San Telmo (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Entrada: $ 40,00 - Domingo - 19:00 hs -

"O.W - Oscar Wilde" (de Julio Ordano)

Sobre la Obra: "OSCAR WILDE" (de Julio Ordano)

Oscar Wilde además de uno de los más grandes escritores de la literatura mundial, fue un homosexual notorio en la Inglaterra de fines del siglo 19.
Su obra excede ampliamente cualquier referencia personal, aunque la moralina británica de la época lo haya condenado por sus preferencias sexuales antes que glorificarlo por su pluma, valga la contradictoria humorada.
En esa estupenda casona que es el teatro Actors Studio de la calle Diaz Vélez, se presenta OW la obra escrita y dirigida por Julio Ordano todos los sábados y domingos a las 19hs.
Cuenta lo sucesos que derivaron a que el 27 de mayo de 1895 Oscar Wilde fuese condenado a dos años de prisión y trabajos forzados. Las numerosas presiones y peticiones de clemencia efectuadas desde sectores progresistas y desde varios de los más importantes círculos literarios europeos no fueron escuchadas y el escritor se vio obligado a cumplir por entero la pena. Enviado a Wandsworth y Reading, donde redactó la posteriormente aclamada Balada de la cárcel de Reading, la sentencia supuso la pérdida de todo aquello que había conseguido durante sus años de gloria.
Recobrada la libertad, cambió de nombre y apellido y emigró a París, donde permaneció hasta su muerte.
Sólo póstumamente sus obras volvieron a representarse y a editarse.
La obra de Julio Ordano eficaz tanto en la puesta, como en la marcación actoral, muestra con profunda dureza lo endeble de las pruebas contra el escritor y la parcialidad de la Justicia que más que un juicio generó un linchamiento mediático.
Un elenco sólido de gran trabajo grupal forma parte de OW. Donde la excelente actuación de Enrique Papatino da vida a un Wilde sufrido, endeble pero a la vez firme en sus convicciones, capaz de defender “ese amor que no osa ser nombrado” por sobre todas las cosas. Gran trabajo de este actor que dota del guiño sútil al amaneramiento del escritor con apenas un quebrar de meñiques y el constante juego con un pañuelo de seda blanco.
Aplausos para su trabajo de composición y para el encuadre que supo lograr la marcación de Ordano.
En este camino, el fiscal de la acusación caracterizado por un gigante Enrique Dacal, da el contrapunto justo aunque sea el que peor se lleva la simpatía del público por lo que representa.
El resto del elenco es contundente, con destaques en el monólogo de Roberto Ponce en el alegato de defensa; Edgardo Moreira como un juez parcial, homófobo y representante de una sociedad injusta; y el aporte de Nilda Raggi y Hernán Vázquez en varios y desdoblados papeles.

Tal vez el estereotipo marica=afeminado o chantajista=machote que mostraron algunos personajes fue lo menos seductor de la pieza. El ser de un homosexual no necesariamente se debe asociar al amaneramiento cuasi grotesco de las palabras y el aflautamiento de la voz, o a colocarse un pañuelo sobre el cuello; y el ser un “chantajista” o taxi boy, probablemente un obrero o un desocupado por como lo pintaba, no incluye per se la pose de un malevo de chaleco y gorra de felpa.
Pero más allá de esto, que sería hilar fino, una propuesta más que interesante en cuanto a texto, llevada adelante por un gran equipo de trabajo y con un director que sabe lo que hace… y sabe que lo hace bien.
  

ACTORS STUDIO TEATRO
Diaz Velez 3842
 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4983-9883
Web:
 http://www.actors-studio.org
Entrada: $ 40,00 y $ 20,00 - Sábado - 19:00 hs
 
Entrada: $ 40,00 y $ 20,00 - Domingo - 19:00 hs


"Elena" (de Manuel Loterztein)

Sobre la Obra "Elena" (de Manuel Loterstein)


(Por Vida Morant para http://referencialgttbi.blogspot.com/

Fosca atmósfera nos embute y seduce desde el inicio de la acción dramática en el universo sensible que transitará el personaje de Elena que interpreta Judith Buchalter durante casi una hora de trama.
Y es que a Elena, la trae algo más que la lluvia. La trae el cielo sin sol de una sociedad autoritaria, de moralina hipócrita y machista que intentó arrebatar las voces y libertades de la mujer.
Manuel Lotersztein nos regala en esta adaptación libre, una síntesis intensa de la obra “Espectros” del dramaturgo Nórdico Henrik Ibsen, la que fuera estrenada en Berlín y prohibida el día de su estreno y quince años en Noruega al considerarla disoluta y revolucionaria para su época.  
Lotersztein nos enfrenta con la re actualización de una época que aun manifiesta vestigios vívidos en las sociedades actuales, donde la moral intenta ser conducida por la violenta mano de la doctrina religiosa y los sectores de alto poder socio político.
Ratifica la intención de Ibsen acercándonos hoy la impronta de una mujer Heroína que trasciende la rigidez de los patriarcados.
Transitamos junto a Elena sobre la tormenta que acarrea el dolor y la catarsis de liberación frente a temáticas tales como el sometimiento familiar, laboral, la violencia sexual y de genero, el incesto y hasta la eutanasia.
La Actriz le da vida a los textos de Lotersztein en un tono de actuación acorde a la profundidad de los mismos.
Los alumnos del Instituto “Saulo Benavente”, magnifican la puesta aportando con prolijidad y precisión la escenografía diseñada y concebida por Víctor De Pilla, impregnándonos desde el ingreso a la sala con una ambientación y cuidadosa elección de objetos que seducen nuestra inocencia de espectadores.
El vestuario realza y embellece el carácter del personaje de Buchalter, enmarcando aún más su esencia interpretativa en un verde apagado que progresa vitalmente con la emergencia de la luz de su esperanza.
La Composición sonora intensifica el tránsito por las emociones y revelaciones que avanzan en la trama.
El mensaje de Elena, en su propia voz, nos expulsa de la sala con un golpe en el pecho gestado en el valiente impulso de salir al mundo con la resonancia de su grito que alega “La felicidad no puede oponerse a la virtud; tiene que ser la Virtud misma” (…) porque indudablemente allí, en la lucha por las libertades que aún nos faltan encontraremos “…el Sol, Manders, el Sol! “…

Vida Morant
Directora Teatral
Prof. Arte Dramático


FICHA TECNICO -ARTISTICA

Dramaturgia: Manuel Lotersztein
Actúa: Judith Buchalter
Músicos: Sandro Benedetto
Vestuario: Alicia Gumá
Escenografía: Victor De Pilla, María Josefina Vecchietti
Peinados: María Fernanda Bandera
Maquillaje: Graciela Bandera
Diseño de luces: Maia Verona Canalis
Diseño sonoro: Ianina Florencia Canalis
Realización de vestuario: Cecilia Nadaszkiewicz
Operación de luces: Christian O`Kuinghttons
Diseño gráfico: Fernanda Presa
Asistencia de vestuario: María Josefina Vecchietti
Asistencia de dirección: Carina Solari
Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin
Producción ejecutiva: Carina Solari
Dirección: Manuel Lotersztein

TEATRO IFT
Boulogne Sur Mer 549 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4962-9420 / 4961-9562
Web: http://www.teatroift.org.ar
Entrada: $ 40,00 y $ 25,00 - Jueves - 20:30 hs
Entrada: $ 40,00 y $ 25,00 - Sábado - 19:00 hs